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"Diversas formas de expresión en el Arte"

APLICACION Y CARACTERISTICAS DE LOS COLORES

Los atributos de los colores en el Arte, nos lleva al estudio del aspecto cultural, de los simbolismos, a su forma de aplicación por parte del artista y su aceptación o rechazo por parte del espectador y de la sociedad.

Según el material con que cada artista trabaje, se puede lograr diferentes efectos que unen al color con la textura o con el objeto, ya sea real, abstracto o geométrico.

Cada color varía según cómo o de qué manera es aplicado por el artista, quien hace por experimento la variación en la calidad de color, tonos, matices, texturas, espesado, veladuras, transparencias, etc...

No se logra lo mismo, en cuanto al color, con un material espeso como el óleo o la témpera, que con una transparencia o aguada de la acuarela o la tinta, o la sequedad del lápiz de color.

Para descubrir la expresión de cada color, veremos algunas características en cada uno de ellos, según las distintas épocas, con diferente intensidad, su colocación en el plano y el carácter material del color.

S.V. Krakov, en Rusia, en 1940 demostró que el sistema nervioso es estimulado de forma diferente según los colores, y que cada uno de ellos al movilizarnos internamente nos predisponen de diversas maneras; además afirma que todos los colores influyen en el sistema nervioso de todos los seres humanos.

Existen Test de Personalidad y Evaluación por la aceptación o la negación de un determinado color; por las características, la forma de expresión de cada artista y en especial en la obra de arte, la simbolización del color y la forma de aplicarlo en el plano u objeto.

Blanco: Es pureza, higiene, transparencia, paz, inocencia, limpieza, seguridad. El blanco es considerado a veces como el no color.

Kandinsky dice que el no color es como el no sonido o un silencio y de esa manera influye en nosotros como un silencio.

El jazmín es blanco, la pureza es blanca.

Suele dar una sensación de espacio y de tranquilidad, pero cuando es usado en demasía en la obra, puede sentirse sensación de frialdad y de soledad.

Existen cuadros que parecen ser ejecutados con blancos, como pintar jazmines o granos de arroz, o vestimentas blancas, pero en realidad lo que se usa como paleta, es el blanco coloreado que vira al color deseado por el artista, o por el ámbito en que está ubicado, ya que el blanco puro pocas veces se usa en un cuadro.

Cuando se dibuja sobre el fondo blanco del papel, nunca es blanco puro.

Amarillo: Es el color del sol, del oro, extendiéndose su significado a la riqueza material y espiritual, el simbolismo, recuerda al trigo y al maíz (dadores de vida desde el Neolítico) provocan un deseo de cambio, se ve muchísimo en la obra de Van Gogh siendo muy significativo; pero si está utilizado en exceso el amarillo puede provocar ansiedad.

No nos olvidemos que en la obra de Van Gogh, el amarillo es potente en los trigales y en las luces de los faroles; hasta que en la ultima época, además de su pincelada circular y nerviosa, vemos azules intensos, fríos, y amarillos casi naranja, mezclados con sostenes negros, dan esa Obra tan impactante del hombre que no encuentra salida a su futuro, que lo enfría y que apaga el amarillo de la vida.

Rojo: Es el color cálido por excelencia; incita a la actividad, al dinamismo; recuerda el fuego y la sangre; amor, actividad sexual, poder, apasionamiento, competitividad... No en vano es el color de la realeza y la Iglesia Católica bajo el nombre de púrpura.

El rojo es muy difícil de ubicar en el plano, ya que el ojo lo ve de inmediato, sobresale a los demás, opacando lo de alrededor.

En la Obra de Kandinsky o de Miró o Picasso están muy bien ubicados, por su maestría.

Para evitar equivocaciones, en general lo encontramos en el arte en cuadros monocromáticos, o bicromáticos, que al ocupar todo el plano no resalte demasiado, en lo particular, sino que se vea en el plano general.

Verde: Es el color de la fertilidad, la autonomía e independencia, del crecimiento, la obstinación y la autoafirmación; también la mentalidad positiva y el orden. Se varían planos enteros con verdes coloreados de azules, amarillos, casi nunca está el verde como color puro. Es más fácil ver el color modulado, ya que al verlo puro hiere.

En la Obra de Monet, el de los Jardines y los Nenúfares y en la de Henri Russeau “El aduanero” sobresale el verde.

Hay mil distintos tonos de verdes.

Azul: Transmite serenidad y tranquilidad, calma y ternura, amor y simpatía, es el cielo y la libertad, es emotivo y sociable, muestra cierta pasividad y calma; por su relación con el cielo representa lo divino. El azul relaja la mente pero puede conducir a la distracción, es agradable de ver. La mayoría de los artistas usan paletas de azules, ya sea modulados o puros; da sensación de espacio, de cielo, de agua, de paz.

Obra de Marc Chagall, época de Paris, de Rene Magritte, época azul de Picasso. La mayoría de los artistas tiene mucha obra en azul.

Negro: es el color del lujo, la elegancia, el status, la nulidad y la negación. Es muy difícil de ubicar. Es el color opuesto al blanco, que es fresco, brillante y da luz.

Según los académicos, en el arte el negro y el blanco como colores no existen.

El negro es la nada luego de apagarse el sol, es indolente y frío. Es muy común que los artistas formen el negro, y no lo usen directo del pomo de pintura; no así en dibujo, ya que se usa el negro, como la tinta china.

El negro es la negación, la muerte en la cultura occidental.
En la maestría del “Padre del Arte Moderno”, Paul Cézanne, quien fue uno de los primeros que usó el negro puro, para lograr un efecto que a él le interesaba, traer el fondo del cuadro hacia delante, poniendo una línea en negro alrededor de cada objeto. También Miró y Picasso usan el negro puro. Son pintores de avanzada.

Negro y blanco: Cuando están combinados es como sentir al mismo tiempo la vida y la muerte. Según las distintas civilizaciones, cada una le da al negro ese poder y otras, como en la India, se lo dan al blanco; pero en la obra de arte es la ambigüedad de lo positivo-negativo, en equilibrio, basta un ojo observador para saber si el equilibrio en realidad existe.

Si es mayor la cantidad de negro puede ser un símbolo de pesimismo y de negación; si lo es de blanco, es mayor la amplitud en cuanto a los espacios abiertos que deja el pintor.

En general los grabadores, son los que más estudios tienen en el tratamiento del negro y blanco, vemos los grabados antiguos, de Munch e Ingres especialmente, y posteriormente en casi todos los grabadores.

El gris: Es la mezcla del negro y blanco, en sus diversos valores, relaja pero en exceso puede llegar a causar depresión,

En general se usa para dar la media luz en los cuadros blanco y negro. Cézanne lo usa en las montañas, pero no puro. Es un color poco usado, ya que en general da la sensación de un color sucio.

El marrón: Es un color neutro pero cuando se acerca más al naranja, el efecto que determina es más luminoso, es más de luz o esperanza sobre lo que plasma el artista. Y cuando más se acerca al negro, es más triste.
Otros colores son:

El naranja: Fomenta el optimismo y la seguridad, pero puede causar un exceso de confianza.

El ocre: Refuerza la concentración pero puede llevar a la introversión.

El violeta: Activa la imaginación pero puede provocar dispersión en exposiciones prolongadas

Kandisky, en otra de sus investigaciones nos pregunta: ¿Qué pasa cuando ponemos un color al lado del blanco y del negro?

- Al lado del negro, cualquier color vibra, adquiere energía y certeza, aún los de poco valor.

- Lo contrario pasa con el blanco, junto al cual los colores pierden fuerza, quedando frágiles y a veces desaparecen. © 2004


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